Pour commémorer le 500iéme Anniversaire de Sandro Botticelli,la Poste Française a émis le 04 Novembre 2010 un bloc feuillet de deux vignettes de valeur faciale 0,87 et 1,40 Euros.Ces 02 timbres sont issus du tableau Primavera (Allégorie du Printemps) peint entre 1480 et 1482.

Catalogue Michel # B143

Sandro Botticelli (Biographie).

Alessandro Filipepi, connu comme Sandro Botticelli, (1444-1510) a commencé sa carrière durant la période de la Renaissance italienne. Botticelli est né à Florence vers 1445 où il vivra le reste de sa vie. Comme le plus jeune de cinq enfants, le père de Botticelli, un tanneur, lui a permis de devenir l’apprenti d’un orfèvre. Pendant cet apprentissage, l’orfèvre, il a travaillé avec lui donna le nom de Botticelli, qui signifie «petit tonneau».

Après un certain temps, Sandro convaincu son père qu’il voulait étudier la peinture et a été choisi pour être apprenti chez le célèbre peintre Fra Filippo Lippi. Lippi était bien connu pour la façon dont il utilise la couleur sur l’église et les retables,il a  aidé Sandro à découvrir un style similaire pour ses propres travaux. Sandro Botticelli développe les  tendres expressions du  visage  dede ces  sujets et de leurs gestes. Il a également utilisé des détails décoratifs qui l’ont  influencé deurant  sa formation. Botticelli est rapidement devenu et reconnu comme un artiste doué . A l’age de  15 ans, il a ouvert un atelier qu’il dédie à son propre travail.

Dans l’atelier de Sandro Botticelli, il a choisi d’avoir de nombreux apprentis pour l’aider à terminer son travail. Sandro leur apprend  à mettre en place et préparer le  matériel pour qu’il puisse se concentrer sur la peinture. Lorsque Sandro estime que l’ un de ses apprentis était prêt, il était certains qu’il allait peindre pour lui sous une  supervision étroite. Grace à cette pratique, il a été capable de produire de grandes quantités de travaux commandés.

Le style de Botticelli évolué vers celui qui a été très distinctes. Ses portraits semblent avoir une caractéristique mélancoliques ou tristes pour eux. Sandro a insisté sur la ligne et le détail qui lui permettent de les utiliser pour rendre vivant  ses personnages  – comme s’il s’ agissait d’ une scène.  Botticelli a également inclus le néo-platonisme dans son travail. Cela signifiait qu’il allait réunir dans une peinture  des  idées qui appartiennent à la fois au christianisme et des  idées païennes qui peuvent avoir inclus la mythologie. Un thème que Botticelli utilisé  à mainte reprise  l’idée d’une petite jeune fille très triste qui a été détaché de ce qui se passait autour d’elle. Ce thème apparaît dans de nombreux de ses portraits tout au long de sa carrière. Un autre thème de Botticelli aimé aborder étaient les mâles et les femelles qui ont joué des rôles dans la société. Parfois, Sandro montrerait rôles traditionnels, mais d’autres fois, il a montré que les femelles de la dominante, figure la plus importante.

Travaux de Sandro Botticelli a été la plus en demande par la famille Médicis. Les Médicis ont été un membre très riche et importante de la société de Florence. Botticelli est pensé pour les avoir utilisés comme sujets d’un grand nombre de ses œuvres. Ils ont voyagé dans des cercles très important et introduit Botticelli à certaines des personnes les plus influentes. Dans ces différents contextes, Sandro rassemblé du matériel à utiliser dans ses portraits et ses représentations scène. La famille des Médicis serait payer des sommes énormes d’argent pour des travaux de Botticelli.

En 1481, Botticelli a été invité à Rome pour prendre part à la peinture de la chapelle Sixtine. Sandro rejoint des artistes tels que le Pérugin, Ghirlandaio et Michel-Ange en contribuant à la pièce la plus connue de l’art italien. Tandis que là, Botticelli a travaillé sur plusieurs morceaux dans la chapelle.En tout, Botticelli a peint trois gros morceaux, ainsi que sept portraits du Pape dans la chapelle Sixtine.

Avec l’age, son style  subi un changement remarquable. Sandro est devenu un adepte du moine Savonarole qui fut un éminent dirigeant civique, à Florence. Il a souligné abandonner toutes les choses du monde. Il était très charismatique et a souvent parlé de la mort et la colère de Dieu sur le peuple. D’anciennes peintures de Botticelli furent considérés comme impies et furent  brûlés avec des livres répréhensible et les  cartes à jouer.  Beaucoup d’adeptes ont fui la ville, mais Botticelli est resté et a continué à peindre. Plusieurs de ses oeuvres contenait un sens très religieux . Sandro inclu une  symbolique très religieuse dans ses peintures; ils semblaient être de raconter une histoire. Sandro est reconnu comme un excellent  peintre retable  a gagné de grandes quantités d’argent grâce à ces commissions.

 Comme les temps ont changé à Florence, Botticelli a essayé de garder le rythme. Il prenait souvent sur les commissions difficiles que d’autres peintres refusés. Ses toiles sont pleines d’émotion ,de  violence ,de grâce et de compassion.

Même si Sandro essayait de garder son statut en tant que peintre, il était encore reconnue à l’honneur de faire partie du comité qui a choisi l’endroit où Michel-Ange aurait placer la  statue de David .

Sandro Botticelli est décédé à l’âge de 65 ans. Certains disent Sandro était pauvre et inachevée à sa mort. Cela pourrait être attribuable à la popularité croissante des nouveaux artistes et contemporains comme Michel-Ange, Raphaël et Léonard de Vinci. Son travail fut oubliée pendant plus de 400 ans après sa mort. En regardant l’histoire, il a maintenant le respect qu’il a gagné grâce à une vie  riche en réalisation.  La contribution  de Sandro Botticelli à la  Renaissance italienne  fut l’un de ses mérites.

STOCKOLMIA”86“ :                                                                                                                        

L’Administration des Postes Suédoise a émis le 25 Mai 1983 un carnet “STOCKOLMIA 86″ en prélude avec l’Exposition Internationale en 1986.C’est la premiére fois dans l’histoire des timbres suédois que des timbres ont également des timbres pour motifs.La minifeuille contient quatre timbres grand format représentant deux projets de gravures pour l’émission OSCAR II réalisé en typographie et gravure sur cuivre,ainsi que les deux timbres correspondants,le timbre exécuté en typographie et le 5 ore OSCAR II réalisé par gravure sur cuivre.Les gravures originales étaient l’oeuvre de Marx Mirowky.Ces timbres ont été gravés par Arne Wallhorn et imprimés en trois coloris originaux par l’Imprimerie des timbres poste de l’Administration des postes Suédoise.Le prix du carnet est de 10 couronnes Suédoise. 

Catalogue Michel # 1239/1242

Sources: Poste Suédoise.

Bicentenaire de la mort de W.A.Mozart

              Pour commémorer cet événement la Poste Autrichienne a émis le 22.03.1991 une série de 02 timbres et un bloc feuillet composé de 03 vignettes dont la vignette centrale  est sans valeur faciale.

Catalogue Michel # B10

Depuis au-delà de deux siècles, l’histoire a été racontée maintes fois : Mozart, ce phénomène incomparable de la nature incarné dans un enfant espiègle qui produisit des chefs-d’œuvre avant l’âge de 10 ans mais qui a été un incompris perpétuel et qui a été reconduit, par négligence, à une sépulture de pauvre. Il s’agit de l’une des plus tragiques et des plus poignantes histoires que l’on puisse retrouver dans le domaine de la musique. Mais une bonne partie de cette histoire n’est pas véridique. De façon certaine, Mozart a été un prodige qui n’a pas eu d’égal, écrivant ses premières symphonies à l’âge de 8 ans et son premier opéra à l’âge de 12 ans. Schubert et Mendelssohn ont produit des œuvres plus originales et plus importantes dans leur adolescence que ne le fit Mozart. En contraste avec Schubert, l’atteinte de la maturité a été plus lente à survenir chez Mozart et celui-ci a dû travailler avec grands soins (toutefois, rapidement); la plupart de ses grandes œuvres ont été produites durant les dix dernières années de sa vie.

Durant cette décennie, il fut respecté comme tout autre compositeur et a été rémunéré en conséquence, obtenant plus que Haydn ne reçut durant la plus grande partie de sa carrière. Souvent, il reçut le double des cachets normalement versés pour écrire un opéra. Il manqua quelquefois d’argent, comme il arrive à toute personne ayant atteint une certaine notoriété, suite à une combinaison de mauvaise gestion et de malchance. Les lettres de supplication qu’il écrivit à des amis au cours des dernières années sont certainement pathétiques; mais, au moment de sa mort, il avait presque remboursé toutes ses dettes, et était, à la mi-trentaine, en voie de devenir réellement prospère.

Au cours de la dernière année de sa vie, alors que la légende veut que Mozart était sur le point de mourir de faim, il a probablement connu sa meilleure année, au plan financier, alors qu’il a eu des revenus équivalents à 100,000$. Comme toute autre personne, il a eu ses succès et ses ratés, il était loin d’être un incompris. Un critique allemand contemporain qui dénonçait Don Giovanni comme étant quelque chose qui « attaquait la raison, insultait la moralité, et affreusement mêlait la vertu et les sentiments », se sentit obligé d’ajouter « si jamais une nation devait être fière d’un de ses fils, l’Allemagne se devait d’être fière de Mozart… Jamais, mais jamais auparavant, la grandeur de l’esprit humain n’a été aussi tangible, et jamais l’art de la composition n’a atteint des sommets aussi élevés ». Haydn, son seul pair vivant, disait que Mozart était le plus grand compositeur qu’il ait connu ou qu’il ait entendu.

En son temps comme aujourd’hui, Mozart inspire la même réputation pour plus ou moins les mêmes raisons – un génie incomparable et un modèle pour le futur. Ce n’est que le 19e siècle qui ne le comprenait pas, tant sa musique que sa vie, et qui insista pour que son histoire devienne une grande tragédie romantique.

Au niveau de sa personnalité, alors qu’il est vrai que Mozart a écrit quelques lettres particulièrement pornographiques à des amis et à sa famille, et qu’il ait une propension à gambader comme un enfant même rendu à un âge adulte, d’autres lettres et des rapports contemporains révèlent un homme d’une finesse d’esprit immense et d’une vitalité intellectuelle, parlant plusieurs langues, un observateur averti tant des hommes que des idées, et un artiste attentionné capable d’analyser sérieusement son propre travail et celui des autres. Et comme coup final à la légende de Mozart, il a été enterré de la même manière que l’aurait été tout viennois de son temps, riche ou pauvre. La « tombe de pauvre » n’est qu’un autre mythe.

Posons-nous deux questions. La première : Étant donné que les dieux confèrent, alors et aujourd’hui, des dons phénoménaux à un enfant, pourquoi Mozart est-il la seule personne à avoir reçu ces dons ? Cette question reste, évidemment, sans réponse. Mais la morale est que l’on ne peut attribuer entièrement Mozart qu’aux dieux. Il eut un professeur remarquable en la personne de son père, qui l’a entraîné et qui l’a exposé aux meilleures influences de son époque. Mozart a étudié la musique des autres compositeurs toute sa vie, apprenant des astuces qui ont guidé ses propres œuvres. Peu importe la confluence des forces qui ont moulé Mozart, elles lui ont permis de gravir toujours plus haut une échelle pour y atteindre un sommet dont il est le seul à avoir atteint.

Et une seconde question : Pourquoi les mythes? Définitivement, il y a d’inévitables lacunes dans le récit historique et des déficiences dans l’interprétation de l’évidence. Mais plus significativement, le romantisme du 19e siècle et le modernisme du 20e ont façonné sa vie en une forme qu’ils auraient voulu qu’elle soit : tous les artistes sont négligés de leur vivant, ils sont des figures tragiques dont les œuvres ne sont comprises que dans le futur. En réalité, la plupart des compositeurs importants furent des figures de proue en leur temps, et tôt ou tard ils furent compris, même mieux compris de leur vivant qu’ils ne le sont à l’heure actuelle. La perspective des contemporains d’un artiste est toujours déficiente face à l’histoire; nous voyons Mozart et Beethoven en terme de leur influence sur le futur, une dimension restreinte à leur propre époque. Dans tous les cas, le génie ignoré est l’exception. Sur ce plan, seuls J.S. Bach et Charles Ives, et quelques autres se rapprochent de ce modèle.

Il existe un autre mythe romantique et moderniste qui ne s’applique pas à Mozart : celui que tous les génies sont des originaux et des pionniers. Des trois maîtres suprêmes de la musique occidentale – Bach, Beethoven et Mozart – ce mythe s’applique uniquement à Beethoven, qui était en fait un révolutionnaire. Originalement Bach l’était certainement; mais la base polyphonique de sa musique était dépassée de son vivant, avec les conséquences adverses sur sa réputation. Dans sa musique comme dans sa vie, Mozart ne se sentait pas tellement concerné avec le futur. Il était heureux d’être un homme de son temps écrivant pour son temps.

Il vécut dans cette courte période – autour de 1770 à 1800 – alors que le style musical occidental possédait une intégrité sans précédent, et que les goûts esthétiques étaient les mêmes à travers tout l’Europe. La langage musical de Mozart ressemble à celui de ses prédécesseurs classiques tels Haydn et Johann Christian Bach. Tout ce qu’il a écrit peut se classer dans un genre – symphonie, opéra, quatuor – qui avait une tradition et une série de normes et procédures auxquelles il a grandement adhéré. Il était à son meilleur lorsqu’il évoluait à l’intérieur des conventions classiques, sans s’y opposer. Il est possible que l’équilibre qu’il a atteint n’ait été possible qu’à l’intérieur de frontières d’une tradition si rigide.

Sa relation avec ses pairs en est une de qualité plutôt que de style ou de personnalité. Si Beethoven nous enseigne le pouvoir de la vitalité révolutionnaire et de l’individualité sous un contrôle discipliné, et que Bach nous révèle le summum du potentiel de la créativité humaine, alors Mozart est la personnification de la possibilité de la perfection.

Wolfgang Amadeus Mozart est né, dans la ville médiévale de Salzbourg, en Autriche, le 27 janvier 1756. Ses parents étaient Leopold Mozart et sa mère, Maria Anna. Leopold était un compositeur mineur attaché à la cour locale, et l’auteur d’un important ouvrage sur l’enseignement du violon. Dès que Leopold réalisa l’ampleur des talents de Wolfgang, son premier souci devint la carrière de son fils.

Le miracle débuta lorsque Wolfgang, âgé de trois ans, réagissait aux leçons de musique de sa sœur, Nannerl, en répétant les airs sur le clavecin. Leopold commença à donner quelques leçons au bambin. Nous ne pouvons imaginer sa joie et son émerveillement à ce qui survint : le bambin semblait saisir tout ce qu’on lui montrait, comme s’il le savait déjà. Un jour, il prit un violon pour la première fois et commença à en jouer. À l’âge de cinq ans, il commença à composer de petits morceaux.

Les débuts publics de Wolfgang – en compagnie de Nannerl, une prodige comparable au clavecin – eurent lieu à la cour de Munich en janvier 1762 alors qu’il n’était âgé que de six ans. Ensuite à Vienne, il joua pour l’impératrice Marie Thérèse après quoi, assis sur les genoux de l’impératrice, il fut proposé à la jeune Marie Antoinette. La nouvelle de ses performances traversa l’Europe; il était vu comme un phénomène scientifique, tout comme un singe parlant. Leopold a rapidement compris le potentiel de faire fortune tant pour son fils que pour lui-même.

Ainsi débutait l’étrange et merveilleuse enfance de Wolfgang. À l’été de 1763, Leopold et ses enfants partirent en tournée qui allait durer trois ans et qui les mena dans toutes les cours et les salles de concert à travers l’Europe et Londres. À partir de ce moment et jusqu’à l’âge de quinze ans, Wolfgang passa la moitié de son temps en tournée. Il a été calculé qu’à la fin de sa vie, il aurait passé l’équivalent de quatre de ses trente-cinq ans en voiture.

En d’autres mots, il était un enfant-spectacle et sa vie familiale était celle d’un cirque ambulant. La publicité que faisait Leopold à propos de ces représentations n’était pas subtile concernant le produit, quoiqu’il n’exagérait pas : « Il jouera un concerto pour violon, et accompagnera des symphonies au clavecin dont le clavier sera recouvert d’un drap… il identifiera instantanément toutes les notes jouées à distance… il terminera en improvisant aussi longtemps que désiré, et ce, dans n’importe clé ». En de telles circonstances, Wolfgang a grandi comme tout enfant de cirque de toutes les époques, avec une compréhension peu solide du sens pratique des choses. (Qualités que possédait Leopold en abondance oppressive. Rendue à l’âge adulte, Nannerl devint aussi pédante et pharisaïque que son père. Ils faisaient, de voix unanime, la morale à Wolfgang concernant ses schèmes et ses rationalisations; ils avaient, toutefois, souvent raison.)

À partir de 1769, Leopold emmena Wolfgang en Italie à trois reprises. Au cours de ces visites, l’adolescent s’imprégna du style italien, étudia le contrepoint, et fit main basse sur plusieurs honneurs incluant l’ordre papal de l’éperon d’or. Ce dernier résultait de l’un de ses légendaires trucs : écrire, de mémoire, après deux auditions, la partition du célèbre Miserere d’Allegri, une composition que le Vatican n’avait jamais autorisée à être exécutée hors de ses murs. Au lieu de réprimander Wolfgang, le pape le fit chevalier. Après quoi, à certaines reprises, il signait « Chevalier Mozart ».

Sa mémoire phénoménale démontrée lors de cet exploit allait devenir son plus puissant outil. Il était capable, dans son esprit, de composer entièrement une œuvre – souvent durant un voyage ou en jouant au billard – et de se souvenir de chaque détail. De cette façon, sa musique avait la liberté et la spontanéité d’une improvisation mentale. La partition était copiée dès qu’il s’y mettait ce qui était souvent à la dernière minute. (Si les choses devenaient complexes, il devait élaborer une esquisse et réviser comme tout le monde). Un exemple de cette maturité est l’ouverture de Don Govanni, qu’il avait cogitée dans son esprit et dont les parties ne furent écrites que deux jours avant la première. Il passa toute la nuit à griffonner pendant que sa femme lui fournissait « punch » et délicatesses et lui contait des histoires pour le tenir éveillé, chaque page était transmise aux copistes dès qu’elles étaient terminées. Le résultat extraordinaire fut joué à vue lors de la représentation. Mozart admettra que « quelques notes ont tombé sous la table ».

L’aspect le plus productif de ses voyages de jeunesse était que partout Wolfgang s’imprégnait des idées et des influences que son père lui faisait découvrir; dans le processus, il créa un style qui synthétisait les particularités musicales de plusieurs pays. Durant un séjour à Londres, en 1764, il fréquenta Johann Christian Bach, le fils de Johann Sebastian, dont la musique galante et italianiste incarnait le début du style classique. La musique de Johann Christian influença Wolfgang comme pour tout autre, jusqu’à ce qu’un modèle plus important arrive, Haydn.

Chaque voyage de jeunesse se terminait inévitablement à Salzbourg, ville qui commençait à le frustrer. Là, Leopold continuait ses fonctions en tant que directeur musical du prince-archevêque. En 1771, le vieil archevêque, qui était toujours ouvert à l’idée de voyages pour ses employés de renom, mourut. Son remplaçant, un certain Hieronymus von Colloredo, était plus conservateur quant à la place et aux devoirs de ses serviteurs. Il débuta de façon agréable en augmentant le salaire de Wolfgang en tant que maître de concert de la cour. Mais il y eut friction avec le génie de quinze ans lorsque celui-ci fut appelé à l’extérieur de la ville pour écrire des opéras à Munich et à Milan.

En 1777, Wolfgang se cherchait un poste peu importe où pourvu qu’il puisse quitter Salzbourg. Il remplissait des postes mineurs écrivant surtout de la musique religieuse ce qui ne l’intéressait pas vraiment. Cette année-là, il partit en voyage avec le but de se trouver un autre emploi. Il partit avec sa mère malade et aboutit à Paris. Wolfgang devait faire face au premier défi majeur de sa vie : la croissance.

C’est une chose que d’être un enfant de dix ans jouant brillamment et composant des symphonies mais ça en est une autre pour un jeune homme de dix-huit ans. À Paris, Wolfgang devint, pour la première fois, un pigiste professionnel qui est en compétition avec les autres professionnels afin d’obtenir les quelques engagements disponibles. Il a fait le tour des salons et obtint quelques commissions mais, essentiellement, rien n’arriva. Sa mère mourut en juillet 1778, et tôt en 1779, déprimé et abattu, il retourna à la maison. Toutefois, sur le chemin du retour, il arrêta à Mannheim où quelque chose d’important survint.

À Mannheim, il demeura chez la famille Weber dont il avait rencontré les membres lors de son voyage vers Paris. La famille incluait quatre filles dont deux d’entre elles étaient d’excellentes chanteuses. L’inévitable survint : Wolfgang courtisa Aloysia Weber, la plus belle et la plus talentueuse des quatre. Il écrivit quelques uns de ses plus beaux airs de concert pour elle et pour sa sœur Josefa. (Des années plus tard, Josefa créa le rôle de la Reine de la Nuit dans la Flûte enchantée.) Malgré la passion de Wolfgang pour Aloysia Weber, le voyage de retour se termina par une autre déception; elle était intéressée par sa musique et non par son amour. Pendant ce temps, Leopold, apprenant les intentions de son fils, le rappela furieusement à la maison. Mozart père considérait que les Weber leur étaient inférieurs; de plus, il ne voulait pas que son fils se choisisse seul une femme. Comme il retournait furtivement à Salzbourg, Mozart ne se doutait pas qu’il n’avait pas fini avec les Weber, ni eux avec lui.

De retour à la maison, il occupa le poste ennuyeux d’organiste à la cour et à la cathédrale. Pendant ce temps, il était un maître d’un galant style de vie, non celui du profond et immortel Mozart, mais seulement le lucide et satisfait, avec une liste toujours grandissante de symphonies, d’opéras, de musique de chambre, et de musique chorale dans son portfolio.

En 1780, l’électeur de Munich, où Mozart avait obtenu d’importants succès, le rappela pour écrire un opéra. Le résultat fut Idomeneo, sa première œuvre mature de scène, et à la fin, le meilleur de ses opéras de série. Il le composa en grande partie durant les répétitions, personnalisant sa musique aux chanteurs; observant les effets de scène, ajustant le timbre de l’action en coupant ici et en ajoutant là. En agissant ainsi, il apprenait les leçons pratiques sur la mise en scène qui lui seront utiles lors de la production future de comédies.

Après son triomphe à Munich, Mozart affronta l’événement décisif de sa vie – une libération fiasco. L’archevêque Hieronymus décida de ramener son employé voyageur, de lui ordonner de se ranger et d’obéir aux ordres. Au début de 1781, il convoqua impérialement Mozart de Salzbourg à Vienne où l’archevêque était en visite. Lorsque le compositeur se présenta devant lui, l’archevêque lui déversa un torrent d’abus en tant que serviteur qui le servait mal. Lorsque Mozart tenta de se défendre, il fut physiquement mis à porte.

De toute façon c’est la façon que Wolfgang décrivit la scène à son père dans une lettre. Dans la même lettre, il jura qu’il quitterait Salzbourg et qu’il irait faire fortune là où sont les grandes fortunes musicales en Europe et dans le monde : à Vienne.

Il était maintenant âgé de vingt-cinq ans et un compositeur pigiste à une époque où cela représentait une façon risquée de gagner sa vie. Quoique brillant comme virtuose et compositeur, il habitait maintenant une ville où maraudent toute sorte d’espèces qui sont toutes ambitieuses et qui ont faim. Il fut un temps où l’église était le principal consommateur d’art; maintenant, c’est l’aristocratie qui paie le loyer pour la plupart des artistes. Mozart espérait se joindre à une cour ou à une autre, ce qui était la voie habituelle du succès.

En premier, il vécut, à Vienne, avec les Weber qui avaient déménagé de Mannheim. Maintenant que Aloysia l’avait rejeté, la mère, devenue veuve, commença à présenter Constanze à Wolfgang. Elle était sa plus jeune, moins jolie, et moins talentueuse quoiqu’elle chantait bien. Il se laissa persuader et écrivit à Leopold pour obtenir son assentiment à cette union. Wolfgang et Constanze se sont mariés en août 1782 avant que la permission exaspérée et rancunière de Leopold ne fut reçue. À cause de la rupture avec l’archevêque et ce mariage impulsif, les relations entre le père et le fils se sont refroidies et vont le demeurer ainsi.

Constanze, alors âgée de vingt ans, n’était pas la partenaire intellectuelle ni l’âme sœur mais il semble que ce n’était pas ce que le mari recherchait. Mozart voulait une compagne de jeu enthousiaste et une partenaire sexuelle et c’était ce que la pétillante et coquette Constanze semblait être. Quant au mari, il était un homme-enfant qui pouvait tantôt improviser sublimement dans un élégant salon tantôt enjamber les meubles et miauler comme un chat.

Qu’il soit en public ou en privé, il ne pouvait tenir en place, tambourinant ses doigts partout, bougeant nerveusement même lorsqu’il se lavait les mains. Contanze prit sur elle de couper sa viande pour lui de peur qu’il ne se coupe les doigts. Il adorait la musique et tout ce qui l’entourait; d’autre part, il aimait la danse, le billard, la nourriture, le vin, les réceptions, le sexe, et le plaisir en général, le tout avec une jouissance animale insatiable. Jusque vers les dernières années de sa vie, il était indifférent à la littérature, la philosophie, la politique – à moins qu’il y ait quelque chose en ces matières qu’il puisse utiliser et alors il s’en accaparait de façon tenace. Pas plus que personne d’autre, il ne pouvait expliquer les choses magiques qui se passaient dans sa tête. Avec Constanze, il n’avait pas besoin de lien spirituel mais ses lettres démontrent qu’il était profondément amoureux d’elle.

Juste avant son mariage Mozart causa toute une sensation à Vienne avec sa comédie irrésistible, L’enlèvement au Sérail. Cette histoire de deux nobles dames vendues par des pirates à un pacha turc était conçue pour tirer avantage d’un envoûtement courant à Vienne pour tout ce qui était turc – café, confiseries, cigarettes, musique pseudo-turque avec ses cymbales et des tambours. Pour en assurer la réussite, l’opéra prenait la forme d’un singspiel allemand, un genre populaire d’œuvre de scène similaire à la comédie musicale américaine : des chants liés à des dialogues. Les viennois ont acheté cette concoction d’intelligence mozartienne et de niaiseries exotiques.

Entre L’enlèvement et ses prestations brillantes au piano, Mozart était, pour un temps, la vedette de la ville. Lui et Constanze ont aménagé dans un appartement luxueux et richement meublé, incluant une magnifique table de billard. Il donna libre cours à ses goûts pour les vêtements de fantaisie et effectuait une visite journalière à son coiffeur.

Évidemment, ils n’étaient pas réellement riches et ne le seront jamais même s’il obtenait les meilleurs cachets alors payés aux artistes. Il pouvait obtenir l’équivalent de 6 000$ pour une soirée de concert soit autant que certains officiers de la cour recevaient pour une année entière. Il avait les revenus imprévisibles d’un pigiste, vulnérables aux lois économiques, aux goûts du public viennois, et au sabotage de ses ennemis. Le succès de L’enlèvement a été obtenu, par exemple, malgré les machinations menées par Antonio Saleri, chef de l’Opéra de Vienne et un compositeur favori de l’empereur Joseph II. Salieri fit de son mieux pour ridiculiser et abattre son rival et ce, incluant la présence dans la salle de personnes pour chahuter durant la représentation. Dans ce cas, le stratagème n’a pas fonctionné mais Salieri serait un rival formidable. Il entrera dans l’histoire non en tant que compositeur mais en temps que némésis de Mozart.

Pour le reste de sa vie à Vienne, Mozart travaillera à pleine vapeur alors en possession de sa pleine maturité. Ses créations s’échelonneront sereinement malgré tous les désordres de sa vie, les périodes de prospérité et de sécheresse ainsi que les aléas de sa santé.

Plus que toute autre chose, il voulait écrire un opéra, mais après L’enlèvement, il examina des douzaines de librettos incapable de trouver un sujet qui le satisfasse jusqu’au jour où il tombe sur la pièce célèbre de Beaumarchais, Le Mariage de Figaro.

Par les temps qui courent, Mozart est tel un meuble à la cour de Joseph II, empereur du Saint Empire Romain. En tant que « despote éclairé » et patron des arts, Joseph a imposé de nombreuses réformes incluant l’abolition du servage, la limitation des pouvoirs de la noblesse, et la rationalisation des pratiques funéraires. Les réformes de Joseph étaient si dictatoriales qu’à la fin il a réussi à s’aliéner presque tout le monde. Malgré tout, Joseph maintint une brillante cour. Parmi les prétendants à la cour il y avait le poète, librettiste et aventurier Lorenzo Da Ponte : moitié obscur journaliste, moitié génie, hautement instruit mais aussi un addict aux femmes et à la grande vie. Mozart approcha Da Ponte avec l’idée de Figaro. Da Ponte le connaît très bien et sait que ça peut être trouble – Joseph a banni la pièce. Mais Da Ponte promet d’arranger les choses avec l’empereur.

Originalement une comédie, la pièce est un réquisitoire féroce sur la noblesse où le barbier Figaro et sa fiancée, Susanna, combattent les intentions du galant Comte Almaviva – principalement son droit féodal de coucher avec les nouvelles épouses. En apprenant les plans de Mozart, ses rivaux ont senti sa perte; mais Da Ponte a promis à l’empereur que le tout serait aseptisé pour y retirer les parties inadmissibles, et Joseph a accepté de lever son interdiction.

Ainsi commença la collaboration entre Mozart et Da Ponte qui produira trois opéras immortels. Peut-être le plus parfaitement réalisé de tous, Figaro fut écrit en six semaines au début de 1786. Les ennemis, en cour de loi (non limités à Salieri), ont tenté de faire avorter la production mais peine perdue, les chanteurs et les musiciens furent emballés par la musique. À la première, le temps de la représentation a été presque doublé parce que l’audience demandait la reprise de plusieurs numéros. L’empereur Joseph a exprimé son enthousiasme. Mais la publication d’un petit opéra Una Cosa Rara par l’espagnol Martin y Soler portant sur le même sujet força Figaro à être retiré après seulement neuf représentations et, pour plusieurs années, sera rarement entendu. Une production à Prague peu de temps après, toutefois, remporta un succès retentissant. À ce sujet Mozart écrivit à son père : « Ici, on ne parle que de Figaro. Rien n’est joué, chanté, ou sifflé que Figaro! Aucun opéra n’attire autant de gens que Figaro. Rien, rien, seulement Figaro. Certainement un grand honneur pour moi! »

Inévitablement, ce triomphe est temporaire. En ce temps-là, les royautés sur les œuvres n’existaient pas. Quelqu’un payait pour écrire l’œuvre et c’était fini; la pièce pouvait être chantée partout et le compositeur ne recevait absolument rien. La seule façon de survivre pour un pigiste est d’écrire et de produire constamment, connaître constamment des succès, et espérer que l’économie reste forte. Autour de 1786, l’activité créatrice de Mozart a fleuri comme jamais. En six mois, de la fin de 1785 au printemps de 1786, alors qu’il finissait Figaro, il a aussi complété trois concertos pour piano, plusieurs pièces pour les services maçonniques, une sonate pour violon et plusieurs petites œuvres. Pendant ce temps, l’empereur Joseph est entré en guerre avec la Turquie ce qui a eu comme conséquence de saper les ressources de l’état et, inévitablement, de heurter les arts. Pour rendre les choses encore pires, Constanze développait une maladie chronique et devait passer beaucoup de temps dans des spas dispendieux. Pour sa part, Mozart a toujours regardé l’argent comme étant quelque chose que l’on dépense plutôt que d’être mis de côté pour le futur.

Pour toutes ces possibles raisons, entre 1788 et 1790 Mozart s’appauvrit et commença à quémander des prêts auprès de ses amis et principalement auprès de son frère maçonnique Michael Puchberg. Il écrivit maintes lettres et l’ensemble de celles-ci ont aidé à créer le mythe que Mozart était négligé et pauvre. Les circonstances de sa vie à ce moment, si difficiles aient-elles été, ne semblent pas être aussi misérables qu’il les dépeignait; on est souvent porté à exagérer lorsque l’on quémande. Dans tous les cas, en moins de deux ans, les finances de Mozart seront de nouveau stables. Les historiens ont rarement rapporté qu’au moment de sa mort, Mozart avait commencé à repayer Puchberg et que Constanze a pris soin des dettes qui restaient.

Parmi les récompenses des années passées à Vienne, il y a l’amitié que Mozart a développée avec Haydn. La réputation mondiale du vieux maître le dispensait d’avoir à compétitionner avec quiconque; puis à part, il était généreux par nature. Malgré tous ses jugements sévères envers ses contemporains, Mozart reconnaissait sa dette envers Haydn.

Le respect et la générosité de Haydn furent récompensés par la dédicace de six quatuors pour cordes que Mozart écrivit de 1782 à 1785. Remarquables dans le traitement équilibré des instruments et de leur richesse contrapuntique, ces quatuors Haydn sont peut-être les œuvres sur lesquelles Mozart a le plus travaillé; les manuscrits montrent plusieurs révisions et ré-écritures. Trois d’entre eux furent donnés en première à Vienne, début 1785, alors que Mozart et Haydn étaient parmi les exécutants et que le père de Mozart était présent. À la fin, un Haydn tout touché dit à Leopold : « Devant Dieu et en tant qu’honnête homme, votre fils est le plus grand compositeur que je connaisse soit personnellement ou de réputation. »

Prague répondit à la Figaromanie en exigeant que Mozart et Da Ponte produisent un autre opéra en 1787. À la recherche d’un sujet sensationnel, ils ont arrêté leur choix sur la légende de Don Juan, éventuellement en la complétant à partir d’avis techniques provenant d’un ami de Da Ponte, l’aventurier Casanova (à qui l’on doit une scène ou deux). Da Ponte a écrit le libretto niché dans une chambre de la maison d’un mécène; dans la pièce adjacente, une table constamment remplie de nourriture et de vin; et une troisième pièce où se tenait une jeune dame qui répondait promptement à chaque appel de cloche. Sur ce dernier élément d’inspiration, Da Ponte écrivit : « J’aurais voulu l’aimer comme une sœur, mais… » Ainsi fut produit l’un des plus puissants opéras, l’étrange mélange de comédie, de tragédie, et de résonances mythiques, Don Giovanni.

Malgré son refus de répondre à tout moule, cette œuvre connût un autre retentissant succès à Prague – et un autre raté à Vienne. La réponse de l’empereur Joseph donne le ton : « L’opéra est divin, voire peut-être supérieur à Figaro. Mais rien à mettre sous les dents des viennois. » Certains ont trouvé la musique trop compliquée, faisant écho à la fameuse (apocryphe) histoire de Joseph disant : « Trop de notes, Mozart », et le compositeur de répondre : « Juste assez pour répondre aux besoins, Votre Majesté. » Le plus souvent, la musique était louangée alors que l’histoire était condamnée comme immorale ou folle. Certainement, la majeure partie du manque de succès à Vienne vient du fait que l’opéra mélange les genres comiques et tragiques : les viennois, habitués aux conventions, aimaient que les choses soient l’un ou l’autre. Au moment de la mort de Mozart, Don Giovanni était un succès partout en Allemagne, en Autriche, et à Prague, son œuvre de scène la plus populaire (quoique les autres étaient aussi souvent jouées).

Toujours, au cours de ces années, les problèmes d’argent poursuivaient Mozart comme des démons. Quand il empochait une bonne commission, elle semblait s’évaporer aussitôt. En 1789, il fut présenté, à Berlin, au roi William II de Prusse qui le paya généreusement pour une série d’œuvres mais il revint à Vienne sans argent ni explication. Constanze était plus ou moins toujours enceinte – seuls deux de leurs six enfants survivront – et elle visitait ses spas. Pour rendre les choses encore pires, Leopold meurt en mai 1787 laissant les relations père-fils non résolues et beaucoup de choses non dites et non faites.

Vers la fin des années 1780, Mozart commence, de façon sporadique, à être sérieusement malade. Peut-être la maladie des reins qui commence à le tuer : c’est très difficile de l’affirmer compte tenu de la science médicale d’alors. Sa santé physique ainsi que celle de Constanze décline répandant le désespoir dans toutes les facettes de sa vie.

Malgré tout, ses esprits d’enfant n’ont jamais été freinés ni sa source intarissable d’inspiration. Dans l’espace incroyable de six semaines de 1788, alors que tout allait mal, il écrivit ses trois dernières symphonies, no. 39-41. Dans ces œuvres, il a poussé la forme symphonique classique au paroxisme de la perfection, montrant la voie vers un rayonnement et une intensité que Beethoven va apporter à la musique symphonique.

Certaines découvertes effectuées au cours de la dernière décennie vont aussi le transformer. Avec son ami le baron Van Swieten, un libraire à la cour et musicien amateur, Mozart commença, après 1782, l’étude du Clavier bien tempéré et l’Art de la fugue de Johann Sebastian Bach. Cette étude produira une revitalisation de son contrepoint qui ajouta une profondeur musicale et spirituelle dans ses dernières grandes œuvres.

Un autre développement est encore plus surprenant. Quoique catholique d’origine, Mozart joint une loge maçonnique en 1784. En ce temps, l’église catholique – et l’Autriche catholique – considérait la maçonnerie comme une conspiration diabolique contre l’autorité divine. (Parmi ses conseillers, Joseph comptait des franc-maçons. Ce furent son prédécesseur et son successeur qui obligeront les franc-maçons à devenir une société secrète.) Malgré son indifférence, dans le passé, pour la politique, l’idéologie démocratique des franc-maçons toucha une corde sensible chez Mozart. Il faut dire qu’à l’époque, cette société comptait parmi ses membres des personnages de la trempe des Voltaire, Goethe, et Benjamin Franklin. La musique qu’il écrivit pour les cérémonies maçonniques avaient une grandeur solennelle, laquelle était nouvelle dans ses œuvres. Parmi les principes de la franc-maçonnerie, il supportait les idéaux qui, plus tard, inspireront Beethoven : la liberté et la fraternité de l’humanité. Ces deux dernières découvertes, Bach et la franc-maçonnerie, joueront un rôle important dans la création de sa dernière œuvre pour la scène, La Flûte enchantée.

Avant la création de cette œuvre, il y eut, début 1790, la première de sa dernière collaboration avec Da Ponte, l’opéra Cosi fan tutte (en traduction libre « Toutes le font »). Cette histoire de trahison suit, de façon générale, les conventions en vigueur pour l’époque concernant les comédies à caractère sexuel : deux hommes sans cœur soumettent leurs amantes à un test de fidélité, et où les femmes échouent lamentablement le test. Toutefois, à la fin, alors que les quatre vies sont un gâchis indécent, nous devons nous demander qu’est-ce qu’il y avait de si comique. Mozart a probablement subverti la popularité de cet opéra avec sa musique, rendant les dilemmes trop pointus, et les souffrances supposées comiques trop réelles. En somme, Cosi est demeuré la moins populaire de leurs trois grandes collaborations.

Mozart ne fit pas la même erreur avec sa nouvelle œuvre : La Flûte enchantée qui est d’un style réellement populaire et dont l’histoire a connu un énorme succès. Il a réussi à faire de cette petite blague absurde le plus approfondi de ses opéras.

L’impulsion pour La Flûte enchantée est vue d’un personnage coloré et quelque peu sordide qu’était Emmanuel Schikaneder, un acteur, un impresario et un franc-maçon. Schikaneder avait joué Shakespeare et les autres classiques mais ne possédait pas plus d’ambition artistique que celle de donner au public ce qu’il voulait. Il avait établi un théâtre où il produisait et jouait dans des comédies convenant au goût populaire, avec une emphase sur les sujets exotiques et les effets scéniques frappants. Mozart et Schikaneder étaient devenus des compagnons de beuveries; pour maintenir ses esprits Mozart avait maintenant recours au vin et aux chansons, et peut-être aux femmes aussi. L’acteur était une fertile source de tous ces ingrédients.

En mars 1791, Schikaneder propose un projet : un singspiel basé sur l’histoire féerique appelée Lulu, ou La Flûte enchantée. Mozart aquiessa sans hésitation; il avait besoin d’argent et ne pouvait pas se permettre d’être trop difficile. Alors Schikaneder commença le libretto, écrivant pour lui-même un rôle bouffon en tant que Papageno, un chasseur d’oiseaux vêtu de plumes. Alors rendu au tiers, on s’aperçut que quelqu’un d’autre en ville avait monté une production réussie utilisant la même histoire. Pas de problème : apparemment Schikadener modifia tout à partir du milieu. L’héroïne originale était la Reine de la Nuit dont la fille Pamina est enlevée par le démon Sarastro, chef d’une fraternité mystérieuse; après révision, Sarastro se révèle comme une figure noble ayant enlevé Pamina pour son bien, et la Reine devient une sorcière traîtresse. En cours de révision, le libretto a ramassé deux sous-courants, l’un infortuné l’autre fructueux.

L’élément infortuné est la forte dose d’anti-féminisme : le principal péché de la Reine, semble-t-il, est de mettre en doute l’autorité des hommes. Mozart accorda probablement peu d’attention à cette tentative mesquine à la motivation dramatique. Ce qui le poussa aussi était que Schikaneder avait réussi à dépeindre la pièce en une allégorie faiblement déguisée de la franc-maçonnerie. La fraternité de Sarastro est similaire à une loge maçonnique incluant les cérémonials pseudo-égyptiens.

Dans l’exploit le plus éblouissant de sa carrière, Mozart a tourné un libretto qui n’était qu’un assemblage de boniments, de platitudes, et de misogynie en un sublime conte de fée pour les adultes. Il transporte sans efforts du sans-art et du populaire à la recherche et à l’érudit. Dans les airs de Sarastro et les chœurs de la fraternité, on y retrouve le ton solennel de la musique maçonnique. (George Bernard Shaw a dit que les airs de Sarastro étaient la seule vraie musique écrite qui soit acceptable pour la voix de Dieu.) Alors que les chœurs chantent la renaissance de la sagesse, on entend les premiers accords majestueux de la nouvelle ère pour l’humanité, l’aurore du siècle des lumières et de la démocratie. Même si en réalité le nouvel aurore ne se soit pas prouvé aussi transcendent comme il semblait dans l’anticipation. La musique de Mozart a capté, pour toujours, la grandeur d’âme de ce rêve.

À la mi-1791, Mozart apparemment ressent qu’il va mourir. Ceci n’a aucun effet sur son travail et même sur ses voyages. Il compose, en vitesse, un opéra de série intitulé La Clémence de Tito pour un couronnement royal à Prague où il se rend pour en diriger la première. Loin d’être sa meilleure, son œuvre n’obtient aucun succès. Les lettres qu’il a écrites durant cette période révèlent qu’il brouille du noir, un trait qui ne lui est pas familier : « Si le peuple pouvait voir à l’intérieur de mon cœur, » écrit-il à Constanze, « j’aurais à être gêné – je trouve que tout est froid – extrêmement froid. » Un jour après, il écrira avec son vieil enthousiasme d’avoir mangé un délicieux repas.

L’horreur final arriva à sa porte en juillet 1791 dans la personne d’un étranger vêtu de gris qui refuse de s’identifier mais qui lui commande de lui écrire un Requiem, une messe pour les morts. Acceptant la commande et se mettant au travail, il commence à imaginer que cet étranger est la mort elle-même et que le Requiem sera le sien. Dans une lettre il confit : « Je ne peux pas effacer de mes yeux l’image de cet étranger. Je le vois continuellement. Il me supplie, m’exhorte, et me commande de continuer mon travail… Je suis sur le point de la mort; j’ai fini avant que je ne puisse jouir de mon talent… Je dois donc terminer mon chant funèbre lequel je dois absolument compléter. » (On doit mentionner qu’il est possible que cette lettre soit une contrefaçon datant du 19e siècle.)

À la fin, il laissera un magnifique fragment de ce Requiem. Existe-t-il une musique aussi menaçante que le chœur d’ouverture? C’est du Mozart très en contrôle, magistral dans la tonalité et sensible à chaque nuance du texte mais c’est aussi le travail d’un homme envisageant sa propre tombe. Il est l’expression de la profondeur de l’angoisse personnelle qui ne sera pas entendue en musique avant les œuvres de maturité de Beethoven. Toute l’œuvre est illuminée par la lueur du contrepoint à la Bach; et elle résonne avec espérance et réjouissance au même point que la tragédie et la mort.

Il existe une explication simple au mystère de la commande du Requiem. Le messager secret venait de la part du Comte Franz von Walsegg, un musicien amateur qui planifiait, selon ses habitudes, de faire passer le Requiem comme étant une de ses propres œuvres. Après la mort de Mozart, le Comte a confessé son stratagème.

Deux semaines avant qu’il ne meure, Mozart a dirigé une cantate maçonnique nouvellement écrite pour souligner l’ouverture du temple. Ce fut la dernière œuvre qu’il aura complétée. Deux jours après, il dut s’aliter mais toujours en travaillant sur son Requiem. Il reçut l’information que La Flûte enchantée, qui avait connu des débuts plutôt lents, était en voie de devenir un succès. Au lit, Mozart commença à chronométrer les représentations avec sa montre, disant « Maintenant c’est l’heure de l’air de la Reine de la Nuit… Voici qu’entre Sarastro. »

Dans la nuit du 4 décembre, il se démenait pour chanter les partitions du Requiem avec quelques amis réunis autour de son lit. Constanze, revenue récemment d’un autre spa, était là avec Franz Sussmayr, un élève de Mozart, lorsqu’il promit au mourant qu’il terminerait le Requiem. (Sussmayr a fait ce qu’il a promis, et de belle façon.) Un médecin vint et appliqua des cataplasmes froids sur la tête fiévreuse de Mozart; ceci précipita un coma. Lorsqu’on vint le vérifier après minuit, le 5 décembre 1791, il était mort.

Les funérailles engendrent plusieurs mythes. Contrairement à la légende, plusieurs personnes assistèrent à ses funérailles. Les cérémonies et l’enterrement se sont déroulés selon les décrets stricts de l’empereur Joseph, lesquels voulaient éliminer les cérémonies extravagantes et mettre fin aux pratiques non sanitaires d’enterrement à l’intérieur des murs de la ville. Donc, comme pour toute autre cérémonie de funérailles du temps, celle-ci a eu lieu dans la ville, à la cathédrale de St. Étienne, et plus tard, en soirée, le corps a été transporté hors des murs pour l’enterrement dans une fosse commune le lendemain matin. Ce délai, partiellement requis afin de s’assurer que le corps était réellement mort, produisait que peu de personnes endeuillées accompagnaient le corps jusqu’à la fosse, laquelle était toujours anonyme. En effet, les corps devaient être déposés à l’intérieur d’un sac de toile et recouverts de chaux; ceci a dû se produire pour le corps de Mozart. Les ordonnances concernant les enterrements étaient détestées par tous et n’ont pas survécues à l’empereur Joseph. Très tôt elles furent oubliées et c’est ainsi que le mythe voulant que Mozart ait reçu un enterrement de pauvre s’est développé au cours de la période romantique.

Mozart n’est pas mort en homme pauvre et oublié. Un service commémoratif eut lieu à Prague le 14 décembre attirant plusieurs milliers de personnes venues entendre une messe de Requiem jouée par les meilleurs musiciens de la ville. Selon le compte-rendu des journaux, « de nombreux pleurs ont coulé en souvenir triste d’un artiste dont les harmonies ont apportées la joie à nos cœurs ».

Il y eut aussi un service commémoratif à Vienne, et Antonio Salieri en dirigeait la musique. Pour plusieurs années, une rumeur voulait qu’il ait empoisonné Mozart. Quoique Salieri ait possiblement fait obstruction à la carrière de Mozart ici et là, cette rumeur est sans fondement et elle n’a eu aucun effet sur la réputation de Salieri. En effet, un peu avant la mort de Mozart, Salieri a assisté à une représentation de La Flûte enchantée assis au côté du compositeur et il a applaudi chaque numéro. Salieri devint un pédagogue vénéré qui a enseigné entre autres à Beethoven, Schubert, et Liszt ainsi qu’au fils de Mozart, Karl qui devint un compositeur mineur mais respecté. Le librettiste Lorenzo Da Ponte vint en États-Unis où il a enseigné l’italien à l’université Columbia et dirigea une épicerie, avec une petite opération de contrebande d’alcool en arrière plan. Quant à Constanze, elle devint la veuve professionnelle du compositeur. Elle épousa un diplomate danois dont la pierre tombale se lit comme suit : « Ici repose le second époux de la veuve de Mozart ».

La cause de la mort de Mozart a été établie, sur le fait, à une « fièvre militaire », un diagnostic vague. Les recherches suggèrent que la cause serait la « fièvre rhumatismale » laquelle aurait été empirée par l’action de ses docteurs qui ont prescrit une saignée, une procédure commune et souvent fatale. En d’autres termes, ni la pauvreté ni l’abandon ni le poison ne sont responsables de la mort de Mozart mais plutôt un décret aléatoire des mêmes dieux qui l’avaient si merveilleusement façonné.

Source : infopuq.uquebec.ca/…/uss1010/catal/mozart/mozwabio.html

La fin d’une série extraordinaire.

Deux timbres émis le 06 Avril 1981  et représentant,l’un le bison des bois et l’autre la marmotte de l’ile Vancouver,sont les dernier de la série “espèces menacées d’extinction” que les Postes Canadiennes ont fait paraitre sur une période de cinq ans.

Les six timbres précédents montraient le Couguar de l’Est (1977),le faucon pèlerin (1978),la tortue  molle à épines et la baleine franche (1979),la poule des  prairies et le corégone atlantique(1980).

Sont généralement classées comme rares,ces espèces animales indigènes  dont le nombre est très faible,menacées,celles dont la vulnérabilité risque de devenir irréversible,menacées d’extinction,celles dont l’extinction est imminente,déracinées,celles qui ont disparu du Canada,mais existent encore dans d’autre pays  et disparues,celles qui vivaient jadis au Canada ,mais qui ont complétement disparues.Parmi les espèces disparue de la faune canadienne,nommons le pigeon migrateur,le grand pingouin et le canard du Labrador.

Robert Bateman , Gary Low et Michel Dumas, artistes de grande renommée,ont représenté ces espèces menacées d’extinctiondans leur habitat naturel,avec un réalisme frappant.

Robert Bateman

Cet artiste mondialement connu enseignait la géographie et l’art dans sa province natale l’Ontario.Il parcourt maintenant le monde à la recherche de sujets pour ses toiles sur la faune,qui sont prisées pour leur réalisme et l’exactitude avec laquelle le milieu écologique est représenté.

Michael Dumas

Peintre animalier et écologique actif,il vit actuelle,et à la campagne,en Ontario.Ses œuvres , qui sont exposées au Canada et à l’étranger , sont renommés pour la minutie du détail et la richesse des coloris,résultat d’une étude approfondie et de longues heures d’observation.

Gary Low

Gary Low est né à Springhill,en Nouvelle – Écosse.Il n’est encore qu’un enfant lorsqu’il déménage en Ontario.Il fait par la suite des études au Beaux – Arts à l’Université York.A cause de son intérêt marqué pour l’écologie et la conservation des espèces,il s’est spécialisé dans la peinture des animaux,domaine ou il est à la fois artiste et professeur.

Ces timbres sont consacrés à certaines espèces canadiennes menacées d’extinction.

Le Couguar de l’Est:

Felis concolor cougar.Prés de la moitié des cent couguars de l’Est dont l’existence est connue habite le Nouveau Brunswick,et le reste se retrouve en Nouvelle Écosse,au Québec et en Ontario.La taille moyenne  du mâle varie entre 2m et 2,5m et son poids moyen,entre 45 Kg et 90 Kg.

Le faucon pélerin:

Falco peregrinus.Il existe trois variétés du faucon pèlerin au Canada.L’une habite la Colombie – Britannique , l’autre le Grand Nord et la troisième se retrouve dans les autres régions du Canada.L’envergure d’un faucon pèlerin adulte peut varier de 1 m à 1,17 m,ce rapace peut piquer à plus de 322 Km/h

La tortue molle à épines:

Trionyx spiniferus.Elle se trouve dans les environs des Grands lacs et dans le Sud de l’Ontario et Québec.Elle se distingue par un cou onduleux,des pattes fortement palmées et une carapace aplatie,presque ronde et ayant la consistence du cuir.

La baleine franche:

Balanea mysticelus.Elle abondait autrefois dans les parties orientale et occidentale de l’Arctique,mais elle a été chassée intensivement pour son huile et ses fanons.Sa taille moyenne est de 17,7m et elle porte des fanons pouvant mesurer jusqu’à 4,3m suspendus aux maxillaires supérieurs.

Le corégone atlantique:

Coregonus canadensis.Ce poisson,qui appartient à la famille des salmonidés,ne se retrouve qu’au Canada,et vit uniquement dans certaines riviéres dans la partie sud de la Nouvelle – Ecosse .La taille moyenne d’un corégone adulte est de 380mm

La poule des Prairies:

Tympanuuchus cupido pinnatus.Cet oiseau galliforme,qui pullulait autrefois dans les prairies et dans le sud de l’Ontario,est bien connu pour son rite nuptial.Il s’accouple souvent avec la gélinotte à queue fine.

La marmotte de l’ile de Vancouver:

Marmota vancouverensis.Ce mammifére,qui s’apparente à la marmotte des Rocheuse et ) la mùarmotte commune et vit dans un terrier,ne se retrouve qu’au Canada,dans l’ile de Vancouver (Colombie – Britannique)

Le bison des bois:

Bison bison athabascae.Le bison des bois , sous – espèce du bison des plaines jadis nombreuse , ne se retrouve qu’au Canada.Untroupeau sauvage a été transplanté au refuge de bison du Mackenzie dans les territoires du Nord – ouest et un autre est gardé en semi – captivité dans le parc national d’Elk Island en Alberta

Source Poste Canada.

ROMARE  BEARDEN :

Le 28 Septembre 2011,l’United States Postal Service a honoré l’Artiste Américain Romare Bearden par l’émission de 04 timbres dont les motifs représentent 04 de ces œuvres célèbres.Les œuvres sélectionnées sont de prévalence du rituel: Femme Conjur (1964), conjonction (1971), Ulysse: Poseidon, La Mer de Dieu-ennemi d’Ulysse (1977), et  Falling Star (1979).Chaque oeuvre représente une profonde compréhension  de l’ héritage de Bearden , qui lui a permis d’insuffler ces images avec une vision plus large ,universelle et plus humaine .

Prévalence du rituel: Conjur femme fait partie d’une série de collages importants de 1964. C’est durant cette période que Bearden est un membre fondateur de la spirale. Un groupe d’artistes, qui comprenait Charles Alston, Norman Lewis, Hale Woodruff et Bearden, qui a décidé de se réunir pour discuter du rôle de l’artiste noir dans le mouvement naissant des droits civils. Initialement les artistes réunis au Loft Bearden Canal Street, mais finalement ils ont loué un studio à 147 Christopher Street à créer des œuvres nouvelles.

Bearden suggére que les artistes créent un travail collaboratif en  utilisant le collage comme moyen. L’idée n’a pas été bien reçue et Bearden, qui avait recueilli divers journaux et des coupures de magazines pour le collage ,du  travailler  seul. Arne Eckstrom, son marchand d’art à l’époque qui était en visite à Loft Bearden et arrivé de voir une série de collages. Il a décidé d’exposer le travail de  Bearden à la galerie suivante. L’exposition de 1964 du collage œuvres intitulées Projections a été un succès.

La femme Conjur est une femme noire mystérieuse qui possède la puissance, la dignité et une forte connexion spirituelle à la diaspora africaine. Ce chiffre est devenu un thème récurrent dans le travail de Bearden. Du 14 Juillet au 23 Octobre 2011 une exposition du groupe spirale s’est tenue  au Studio Museum in Harlem  on y trouve une autre version de Femme Conjur également créé en 1964.

Bearden est né à Charlotte en Caroline (comté de Mecklenburg) du Nord. La hausse des lois Jim Crow et l’application, souvent violente de la politique restrictive conduit ses parents à déménager à New York City en 1914.Le Jeunes Romare revient à Charlotte pendant les étés, ce qui a laissé  une impression durable sur l’artiste.

Conjonction transmet l’interaction détendue et accueillante de gens du comté. L’utilisation de modèles de vêtements dans les honneurs de la tradition de fabrication de courtepointe, une forme d’art populaire répandue dans la culture méridionale. Ce grand collage est construite avec des crayons, fusain et une variété de tissus sur toile.Les éléments de communication et les contes de la littérature ont tenu une place spéciale dans sa vie. Dans le loft de Canal Street Bearden avait une vaste bibliothèque allant de l’art, à la politique, à la littérature classique. Dans ses œuvres Il utilisait souvent des thèmes à partir de sources littéraires.

Dans Ulysse: Poseidon le dieu de la mer-ennemi d’Ulysse Bearden dépeint Poséidon l’ennemi juré de l’Ulysse dans le  poème épique d’Homère, L’Odyssée .

Le chiffre de Poséidon avec sa tête de profil, le torse pleine face, et la longue lance à manche sont des images iconiques de la pré-cinquième siècles avant JC dans l’art grec. Ce motif est fixé contre le masque-comme presque Afrique de l’Ouest face et modèles courbe de l’eau. L’effet global capte les qualités mythiques tout en injectant des contre-courants multiculturelle qui suggèrent un récit profond et plus universel.

A PROPOS DE L’ARTISTE.

Romare Bearden Howard est né le 2 Septembre 1911, à (Richard) Howard et Bessye Bearden à Charlotte, en Caroline du Nord, et décédé à New York le 12 Mars 1988, à l’âge de 76 ans. Sa vie et son art sont marquées par un talent exceptionnel, englobant un vaste éventail d’intérêts intellectuels et universitaires, y compris la musique, les arts, l’histoire, la littérature et l’art mondial. Bearden a été aussi un célèbre humaniste, comme en témoigne son soutien tout au long de jeunes artistes émergents.

Romare Bearden a commencé l’université à l’Université Lincoln, transféré à l’Université de Boston et a complété ses études à la New York University (NYU), a obtenu un diplôme en éducation. Tout à NYU, Bearden a pris cours extensifs dans l’art et a été un dessinateur de plomb et de l’art alors rédacteur pour la revue mensuelle Le Medley . Il avait également été directeur artistique de Beanpot , le magazine d’humour étudiant de l’Université de Boston. Bearden journal publié de nombreux couvre pendant ses années d’université et le premier des nombreux textes qu’il écrirait sur ​​les questions sociales et artistiques. Il a également assisté à la Art Students League à New York et plus tard, la Sorbonne à Paris. En 1935, Bearden est devenu un caricaturiste pour l’hebdomadaire Baltimore Afro-américains , où il a continué à faire jusqu’en 1937.

Après avoir rejoint le Harlem Artists Guild, Bearden a entrepris son étude tout au long de l’art, la collecte inspiration de maîtres occidentaux allant de Duccio, Giotto et Hooch à Cézanne, Picasso et Matisse, ainsi que de l’art africain (particulièrement la sculpture, les masques et les textiles) , mosaïques byzantines, des estampes japonaises et peintures de paysages chinois.

Depuis le milieu des années 1930 grâce à 1960, Bearden a été un travailleur social avec le ministère de New York des Services sociaux, le travail sur son art dans la nuit et le week-end. Son succès en tant qu’artiste a été reconnu avec sa première exposition solo à Harlem en 1940 et sa première exposition solo à Washington, DC, en 1944. Bearden est un artiste prolifique dont les œuvres ont été exposées au cours de sa vie à travers les États-Unis et en Europe. Ses collages, aquarelles, huiles, photomontages et les tirages sont imprégnés de métaphores visuelles de son passé dans le comté de Mecklenburg, en Caroline du Nord, Pittsburgh et Harlem et d’une variété de sources historiques, littéraires et musicales.

En 1954, Bearden a épousé Nanette Rohan, avec qui il a passé le reste de sa vie. Dans le début des années 1970, il a créé et Nanette une résidence secondaire sur l’île caraïbe de Saint-Martin, la maison ancestrale de sa femme, et certains de ses travaux ultérieurs reflètent les paysages luxuriants de l’île. Parmi ses nombreux amis, Bearden avait des liens étroits avec ces artistes éminents, des intellectuels et des musiciens comme James Baldwin, Stuart Davis, Duke Ellington, Langston Hughes, Ralph Ellison, Joan Miró, George Grosz, Alvin Ailey et Jacob Lawrence.

Bearden a été aussi un écrivain respecté et un porte-parole éloquent sur les questions artistiques et sociaux de la journée. Active dans de nombreux organismes artistiques, en 1964, Bearden a été nommé directeur artistique d’abord le nouveau Conseil de Harlem culturels, un groupe de défense des Afro-Américain. Il a été impliqué dans la fondation de plusieurs lieux d’art importants, tels que le Studio Museum à Harlem et à la Galerie Cinque. Initialement financé par la Fondation Ford, Bearden et les artistes Norman Lewis et Ernest Crichlow établi Cinque à soutenir les artistes minoritaires plus jeunes. Bearden a également été l’un des membres fondateurs de l’Académie noire des Arts et Lettres en 1970 et a été élu à l’Institut National des Arts et des Lettres en 1972.

Reconnu comme l’un des artistes les plus créatifs et originaux visuelle du XXe siècle, Romare Bearden a eu une carrière prolifique et distingué. Il a expérimenté avec différents médiums et des styles artistiques, mais est surtout connu pour ses collages richement texturées, dont deux apparue sur les couvertures de fortune et de l’heure des magazines, en 1968. Un artiste novateur avec des intérêts divers,  Bearden a également conçu des costumes et décors pour le théâtre Alvin Ailey American Dance, et des programmes,des jeux et des dessins pour le théâtre de danse contemporaine Nanette Bearden.

Parmi de nombreuses publications Bearden sont les suivants: Une histoire de l’Afrique de American Artists: De 1792 à nos jours , qui a été coécrit avec Harry Henderson et publié à titre posthume en 1993; La Poésie des Caraïbes de Derek Walcott et l’art de Romare Bearden (1983); six maîtres Noire of American Art , co-écrit avec Harry Henderson (1972); l’esprit du peintre: Une étude sur les relations de la structure et espace dans la peinture , co-écrit avec Carl Holty (1969), et Li’l Dan, le Drummer Boy: une histoire Guerre civile , un livre pour enfants publié à titre posthume en Septembre 2003.

Le travail de  Bearden est inclus dans de nombreuses collections publiques importantes, y compris le Metropolitan Museum of Art, le Whitney Museum of American Art, le Philadelphia Museum of Art, le Musée des Beaux-Arts, Boston et le Studio Museum à Harlem, entre autres. Il a eu des rétrospectives au Musée d’Art Monnaie (1980), le Detroit Institute of Arts (1986), ainsi que de nombreuses rétrospectives posthumes, dont le Studio Museum à Harlem (1991) et la National Gallery of Art, Washington, DC (2003).

Bearden a reçu de nombreux prix et distinctions tout au long de sa vie. Des Doctorats honorifiques ont été donnés par Pratt Institute, Carnegie Mellon University, Davidson College et l’université d’Atlanta, pour n’en nommer que quelques-uns. Il a reçu le prix du maire d’honneur d’Art et de Culture à New York en 1984 et la National Medal of Arts, présenté par le président Ronald Reagan, en 1987.

PHILANIPPON ´91

                Afin de commémorer cet événement les Poste Tchécoslovaque ont émis le 03 Novembre 1991 une série de 05 timbres de valeur faciale : 2 – 3 – 4 – 5 et 7KCS et dont le motif est une suite de tableaux   d’artiste  réputés du 17ieme  au 20ieme Siècle.

Il s’agit:

- Max Ernst

- Pierre-Auguste Renoir

- EL -  GRECO

- Ladislav Guderna

- Utamaro Kitagawa

Max Ernst

Max Ernst était un peintre allemand (ou franco-allemand pour certains) de la mouvance dada, surréaliste puis pataphysique. Max Ernst est né à Brühl, en Allemagne. En 1909, il commence à étudier la philosophie à l’université de Bonn, mais il abandonne rapidement les cours pour se consacrer à son intérêt pour l’art. En 1913, il rencontre Guillaume Apollinaire et Robert Delaunay et part pour Paris, rejoignant à Montparnasse des artistes venant des quatre coins du globe. En 1918, il épouse Luise Straus, historienne d’art. Leur relation tumultueuse ne tiendra pas. L’année suivante, il rend visite à Paul Klee et crée ses premières peintures, impressions à la main et collages ; il expérimente différents supports et matériaux. Durant la Première Guerre mondiale, il sert dans l’armée allemande. Après celle-ci, rempli de nouvelles idées, il fonde avec Jean Arp et l’activiste social Alfred Grunwald le groupe dada de Cologne mais deux ans plus tard, en 1922, il retourne à la communauté d’artistes de Montparnasse à Paris.

Expérimentant constamment, il invente en 1925 le frottage où il laisse courir une mine de crayon à papier sur une feuille posée sur une surface quelconque (parquet ou autre texture). Cette technique fait apparaître des figures plus ou moins imaginaires. Elle s’apparente à l’écriture automatique des écrivains surréalistes qu’il côtoyait comme Paul Eluard et André Breton bien sûr. L’année suivante, il collabore avec Joan Miro sur les designs pour Sergei Diaghilev. Avec l’aide de Miro, Max Ernst se lance dans l’élaboration d’une nouvelle technique, le grattage où il gratte le pigment de la toile. En plus de son aide à la diffusion du dadaïsme, il contribuait à la naissance du mouvement surréaliste à Montparnasse. Après une période passée avec les surréalistes, il quitte leur groupe en partie à cause de Breton qui voulait écarter l’ami de Ernst, le poète Eluard. En 1934, il commence à sculpter, fréquentant Alberto Giacometti. En 1938, l’héritière américaine Peggy Guggenheim achète un bon nombre d’œuvres de Max Ernst qu’elle expose dans son nouveau musée à Londres.

Avec le début de la Seconde Guerre mondiale, Max Ernst est arrêté comme étranger ennemi, mais, avec l’aide du journaliste américain Varian Fry à Marseille, il réussit à quitter le pays en compagnie de Peggy Guggenheim. Ils arrivent aux USA en 1941 et se marient l’année suivante. Max Ernst vit à New York où, à côté des peintres d’avant-garde Marcel Duchamp et Marc Chagall qui ont fui la guerre en Europe, il aide au développement de l’expressionnisme abstrait parmi les peintres américains.

Son mariage avec Peggy Guggenheim se termine par un échec et il épouse Dorothea Tanning à Beverly Hills, en Californie, en octobre 1946, lors d’une double cérémonie avec Man Ray et Juliet Bowser. Max Ernst s’installe alors aux USA à Sedona, en Arizona. En 1948, il écrit le traité « Beyond Painting » puis part voyager en Europe en 1950. En 1952, il devient satrape du Collège de Pataphysique. À partir de 1953, il s’installe définitivement à Paris et l’année suivante gagne les biennales de Venise. Grâce à la publicité occasionnée par cet évènement, il commence à connaître un certain succès financier.

En 1963, il déménage avec sa femme dans une petite ville du sud de la France, à Seillans où il continue à travailler. Il crée les décors d’un théâtre et une fontaine dans la ville d’Ambois. En 1975, une rétrospective a lieu au Musée Solomon R. Guggenheim à New York et les Galeries Nationales du Grand Palais de Paris publient un catalogue complet de ses œuvres. Max Ernst meurt le 1er avril 1976.

Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)

Renoir, Pierre-Auguste
Né dans une famille d’artisans, Pierre-Auguste Renoir commença à peindre, d’abord sur porcelaine dès l’âge de treize ans, puis à partir de dix-sept ans, sur éventails et sur tissus. En 1862, il s’inscrivit à l’école des beaux-arts et étudia dans l’académie parisienne du peintre suisse Charles Gleyre (1808-1876), où il rencontra Sisley , Bazille et Monet qui influença le début de sa carrière. En 1864, il fit la connaissance de Diaz de La Peña (1807-1876) qui l’engagea à peindre en plein air.
Ses premières œuvres sont encore marquées par l’influence de Courbet. La même année, il exposa pour la première fois à Paris, mais après avoir essuyé deux refus en 1866 et en 1867, il ne fut admis au Salon des artistes français qu’en 1868 avec Lise à l’ombrelle (1867, Folkwang Museum, Essen). En 1869, Renoir travailla avec Monet aux trois vues de la Grenouillère qui annoncent les scènes nautiques d’Argenteuil d’après 1870. En 1874, il participa à la première exposition des peintres impressionnistes chez Nadar (avec la Scène, 1874, Courtauld Institute, Londres). C’est là que Renoir fit la connaissance de Caillebotte.

S’ouvre alors la période des toiles les plus célèbres telles les Régates à Argenteuil (1874, Musée d’Orsay, Paris), le Moulin de la Galette (1876, Musée d’Orsay, Paris) et les Parapluies (1883, National Gallery, Londres), qui rassemblent les caractéristiques d’un impressionnisme très parisien (ambiances de loisirs, foules citadines). Une sorte de vibration, faite d’ombre et de soleil, relie tous les personnages des scènes champêtres dans une atmosphère lumineuse, bien que sa facture fasse appel à une touche fondue plutôt qu’au divisionnisme habituel impressionniste. Un effet analogue d’éclairage se retrouve dans le Déjeuner des canotiers (1881, Phillips Memorial Gallery, Washington) qui témoigne d’une individualisation parfaite des personnages, dans la mobilité des gestes et des attitudes.

En 1881, il fit un voyage en Italie où il s’intéressa plus particulièrement à Raphaël. Son attention à la composition s’en trouva accrue. Vers 1888, il séjourna quelques temps chez Cézanne en Provence et réalisa de nombreux nus féminins, les Baigneuses (Musée de l’Orangerie, Paris) qui semblent ne pas se baigner dans l’eau, mais dans la lumière d’une facture très souple, révélant les coloris nacrés de la peau et transmettant avec lyrisme son amour sensuel de la plasticité du sujet. Chargeant progressivement sa pâte, il superposa de plus en plus les couleurs, les brossant toujours plus afin d’obtenir une matière lisse et soyeuse, souvent rapprochée de celles de Rubens, des Vénitiens ou de Watteau. à la fin de sa vie, il se tourna vers la sculpture (la Grande Laveuse, Musée d’Orsay, Paris).

Renoir Auguste, peintre français (Limoges 1841 – Cagnes-sur-mer 1919) né à Limoges, sixième et avant-dernier enfant de Léonard Renoir, tailleur, et de Marguerite Merlet, couturière, son grand-père paternel, François Renoir, était sabotier : milieu d’artisans modestes, possédant cette intelligence de la main qui va bien au-delà du métier, et incite au goût des belles choses. En 1844, la famille s’était installée à Paris, non loin du Louvre d’abord, puis dans le quartier du Marais. Après l’école, à treize ans, Renoir qui aimait le dessin fut mis en apprentissage chez un peintre sur porcelaine. Quatre années plus tard, l’impression mécanique remplaçant peu à peu le travail manuel, il dut gagner sa vie en décorant des éventails, puis des stores. Ayant amassé quelque argent, il put bientôt se consacrer à la peinture, devenue sa passion, et allait copier au Louvre, où ses parents l’avaient souvent mené. En mars 1862, il se présentait et était admis à l’école des Beaux-Arts, et s’inscrivait en octobre de la même année à l’académie Gleyre, où il rencontra Claude Monet , Alfred Sisley , Frédéric Bazille. Ce dernier admirait beaucoup Courbet, et aussi Edouard Manet qui l’avait reçu dans son atelier. Tu comprends, lui dit Bazille, Manet est aussi important pour nous que Cimabue et Giotto pour les Italiens du Quattrocento. Parce que c’est la Renaissance qui est en train de venir. Et il faut que nous en soyons.

Renoir, désormais, est pris dans le mouvement. Au début de l’année suivante, en 1863, il accompagne Sisley, Monet et Bazille à Chailly-en-Bière, en bordure de la forêt de Fontainebleau il y rencontre Narcisse Diaz, qui lui recommande d’éclaircir sa palette. Il quitte en 1864 l’école des Beaux-Arts, fait recevoir par le jury du Salon une Esmeralda dansant (détruite ensuite) et exécute ses premières commandes, le Portrait de Mlle Lacau (Cleveland Museum of Art), qui révèle son sens de la grâce féminine, et celui de William Sisley (musée du Jeu de paume, Paris), le père de son ami peintre, tableau qui sera accepté au Salon de 1865.

Ses parents étant retirés à Ville-d’Avray, il est accueilli par Sisley d’abord, puis, après le mariage de celui-ci, par Bazille. Tous ont pris maintenant l’habitude de se rendre à la campagne dès les premiers beaux jours, à Chailly de nouveau, puis à Marlotte, où les rejoint Pissarro et où Renoir fait la connaissance de Gustave Courbet à Bougival, Chatou, Argenteuil. Renoir a peint ses amis à Marlotte, en 1866, dans le Cabaret de la mère Anthony (Nationalmuseum, Stockholm), sa première composition importante.

En 1867, il peint une Diane chasseresse (National Gallery of Art, Washington), prétexte à un nu dans la nature vigoureusement traité à la manière de Courbet, et Lise à l’ombrelle (Folkwang Museum, Essen), grande figure dans une lumière de plein air tamisée par les feuilles des arbres, qui fait suite aux Déjeuner sur l’herbe de Manet et de Monet. Aux aspirations nouvelles (réalisme et goût de la nature de Courbet, sujets empruntés à la vie moderne de Manet, éclaircissement de la palette conseillé par Diaz) s’ajoute en effet l’intérêt de plus en plus vif pour toutes les variations de la lumière. Travaillant ensemble durant l’été 1869 à ” La Grenouillère “, dans l’île de Croissy près de Bougival, Claude Monet et Renoir tentent de rendre dans leur peinture le miroitement du fleuve, tous les reflets du soleil multipliés par le frémissement de l’eau. Monet transpose en touche de couleur chaque éclat lumineux, divisant hardiment et franchement les tons pour préserver leur vigueur : ” capter la lumière, et la jeter sur la toile, tel est son projet.

Renoir, plus sensible à la présence humaine et à celle des objets, attentif à l’ensemble, demeure plus nuancé. Chacun suit sa propre voie. Ce que je ferai aura au moins le mérite de ne ressembler à personne, parce que ce sera simplement l’impression de ce que j’aurai ressenti, moi tout seul, écrivait Monet quelques mois auparavant, alors qu’il travaillait au Havre. Renoir, très attiré encore par Courbet, comme en témoignent La Nymphe à la source (1869 National Gallery, Londres) et La Baigneuse au griffon (1870 ; musée d’Art moderne, São Paulo, Brésil), analyse longuement aussi Delacroix, s’en inspire et lui rend hommage dans L’Odalisque, ou Femme d’Alger (National Gallery of Art, Washington) exposée au Salon en mai 1870.

En juillet, c’est la guerre. Bazille y trouvera la mort. Renoir, appelé à Tarbes puis à Libourne, est démobilisé en mars 1871. En janvier 1872, le marchand Paul Durand-Ruel, qu’il a rencontré par l’intermédiaire de Monet et de Pissarro, lui achète quelques tableaux ; il travaille en été à Argenteuil, avec Claude Monet et Gustave Caillebotte, et entreprend en octobre les Cavaliers au bois de Boulogne (Kunsthalle, Hambourg), vaste composition terminée au printemps 1873. Soutenu matériellement par Durand-Ruel et par Théodore Duret, il peut alors s’installer dans un appartement de la rue Saint-Georges, à Montmartre. Il a trente-deux ans.

Son tableau de La Loge (Courtauld Institute, Londres) admirable image de la fête du soir au théâtre, la femme vêtue d’une robe somptueuse, l’homme en habit confirme à la fois son admiration pour les maîtres du passé et sa propre virtuosité. Il le présente lors de la première exposition des ” impressionnistes ” chez Nadar : ce noir qui fait jouer tout l’ensemble de la toile, et dont il dira un jour qu’il est ” la reine des couleurs “, est alors une note remarquable d’indépendance.

EL – GRECO

Domenikos Theotokopoulos, dit le Greco, est né à Candie, en Crète (alors protectorat de la république de Venise), en 1541. On ne sait rien de sa formation avant son arrivée à Venise, après 1566. Sans doute fut-il peintre d’icônes : à cette époque, en Crète, on pratiquait une peinture vénéto-byzantine (voir Byzantin, art) dont il repriT parfois l’esthétique épurée et spiritualisante.

Premières œuvres à Venise et à Rome
Vers 1566, le Greco s’installa à Venise, où il collabora à l’atelier de Titien jusqu’en 1570. Son intérêt pour la peinture du Tintoret est visible dès ses premières œuvres vénitiennes, comme la Guérison de l’aveugle (v. 1566-1567, Gemäldegalerie, Dresde). Il s’agit alors d’une recherche sur la construction des volumes par groupes de figures, dans laquelle l’artiste refuse d’isoler les différents éléments picturaux.
Son travail subit une profonde évolution lors de son séjour à Rome, de 1570 à 1576, pendant lequel il côtoya les maniéristes tardifs Sermoneta, Taddeo Zuccari et surtout Muziano, l’un des rares Vénitiens actifs dans la capitale de l’État ecclésiastique à cette époque. Outre une Annonciation (v. 1575, musée du Prado, Madrid), l’œuvre la plus caractéristique de cette période reste le Christ chassant les marchands du Temple (v. 1570-1575, Institut d’art, Minneapolis) dans laquelle on trouve les portraits de Titien, de Michel-Ange et de Giulio Clovio, le miniaturiste et enlumineur dalmate avec lequel le Greco était en contact en Italie. La Pietà du musée de Philadelphie (avant 1577) révèle, en revanche, les éléments fondamentaux de la personnalité artistique du Greco : les plans sont nettement divisés par un schéma d’aspect plutôt géométrique.

Période espagnole
À Rome, il rencontra plusieurs artistes espagnols associés à l’église de Tolède, qui semblent l’avoir persuadé de se rendre en Espagne, où la décoration de l’Escorial était en chantier. En 1576, il quitta l’Italie et, après un bref séjour à Madrid, il arriva à Tolède au printemps de l’année 1577. Il commença rapidement à travailler sur ses premières commandes espagnoles, réalisant pour l’église de San Domingo el Antiguo une série de tableaux aujourd’hui répartie entre Madrid et Chicago. Dans l’Assomption de la Vierge (v. 1577, Art Institute, Chicago), destinée au maître-autel, on trouve des architectures qui évoquent la ville de Venise. Mais il s’agit là d’un italianisme limité à des citations iconographiques!; l’art du Greco prenait alors un chemin plus personnel.
Le Greco contribua de façon épisodique aux commandes artistiques du roi Philippe II qui achevait en 1582 les travaux du monastère-palais royal de l’Escorial, près de Madrid. Le Martyre de saint Maurice (1579-1584, Escorial) démontre combien la peinture qu’il présentait était en contraste avec les goûts de la cour, qui préférait faire appel aux maniéristes italiens. (En guise de caution artistique, ceux-ci parvenaient à Madrid couronnés des lauriers de la gloire romaine.) L’enchaînement continu des figures et le désintérêt à détailler l’environnement de celles-ci provoquent sur le spectateur une impression de dynamisme circulaire, dans lequel la scène-événement est reléguée à un second plan latéral.
Le Greco travailla également pour la cathédrale de Tolède : le Christ dépouillé de sa tunique (1577-1579), pour la sacristie, représente le Christ dans une robe rubis entouré par ses ravisseurs. Cette œuvre fit l’objet d’un procès (le premier de toute une série), intenté par l’artiste contre ses commanditaires, qui désiraient baisser son prix. Durant cette époque, le Greco composa surtout des œuvres d’inspiration religieuse, comme le Christ portant la croix (musée du Prado).

Émergence d’un maître espagnol
En 1586, le Greco peignit l’un de ses plus grands chefs-d’œuvre, l’Enterrement du comte d’Orgaz, pour l’église de Santo Tomé à Tolède. Cette œuvre, toujours en place, figure le miracle du ravissement de l’âme d’un noble de Tolède du XIVe siècle auprès de saint Étienne et de saint Augustin. Au-dessus de la tombe, l’âme du comte s’élève vers un ciel peuplé d’anges, de saints et de personnages contemporains. La lumière colorée met en évidence les figures participant au moment du passage entre la vie terrestre et l’immatériel. C’est une peinture empreinte d’une forte spiritualité que tous les moyens techniques doivent servir. On ressent ici clairement une atmosphère mystique, proche de celle présente dans les écrits de sainte Thérèse d’Ávila ou de saint Jean de la Croix.
Le Greco était un peintre lettré, ami des poètes Luis de Góngora et Fray Hortensio Felix de Paravicino, dont il peignit le portrait vers 1610 (Museum of Fine Arts, Boston). Il peignit également une vue de la ville de Tolède (v. 1600-1610, Metropolitan Museum of Art, New York), aux couleurs sombres et au caractère assez topographique, et un Saint Martin partageant son manteau avec un pauvre (1597-1599, National Gallery of Art, Washington), caractéristique de sa manière expressive et solennelle.

Dernières œuvres
Les dernières œuvres semblent témoigner d’une volonté de l’artiste d’aller vers une plus grande simplification, au service d’une exaltation quasi mystique. La figuration est abrégée, voire réduite à l’essentiel nécessaire à l’identification. L’espace, géométrique, morcelé, ainsi que les figures sont traités de manière globale. Les lumières paraissent presque irréelles. Le Laocoon (v. 1610-v. 1614, National Gallery, Washington), l’un des rares tableaux au sujet mythologique que l’artiste ait réalisés, atteste ces préoccupations, ainsi que la décoration de la chapelle Saint-Joseph de Tolède (Saint Joseph et l’Enfant Jésus, v. 1597-1599).
Le Greco mourut à Tolède le 7 avril 1614, et fut enterré à Santo Domingo el Antiguo. C’est l’un des maniéristes les plus appréciés du public aujourd’hui. Sa recherche, fondamentalement ancrée dans les préoccupations esthétiques du XVIe siècle, est souvent interprétée à tort comme une anticipation de la démarche abstraite du XXe siècle.
Source : Encarta 98

Guderna Ladislav (1921-1999)

Guderna Ladislav (1921-1999)
Ladislav Guderna
(1921 Nitra – 1999 Vancouver, Canada)
Ladislav Guderna étudié à SUR (Prof. L.. Fulla), une école privée de la peinture de M. Schurmann, le visuel département universitaire de Bratislava (Prof. J. Mudroch, M. Benka) et en partie à l’Académie de Belgrade. Il a été membre de l’Manes à Prague, édifice SVU, SVU 29e Août SSVU tard. En 1948, il expose à la Biennale de Venise en 1958 a remporté une médaille d’argent pour les conceptions de l’EXPO 58 à Bruxelles. En 1968, en signe de protestation contre l’occupation de la Tchécoslovaquie, il émigre au Canada où il a vécu et travaillé jusqu’en 1999 (Toronto, Vancouver). En 1979, rejoint le groupe surréaliste Melmoth Vancouver, avec son fils Martin a publié la Revue Scarabeus surréaliste. Il a été membre de l’art surréaliste côte Ouest du Canada. En 1990, il devint membre de Q à Bratislava.Il est diplômé de voyages d’études nombreuses dans le monde et reçu plusieurs récompenses nationales et travaille à la maison et à l’étranger. Au début de son travail – sur les traces de l’exemple et Rouaulta Mudrocha et Matejka – peint avec des images expressives du déploiement et l’utilisation de fortes lignes de contour noir. Puis il se tourna vers la formation de P. Picasso comme la chose la plus importante source d’inspiration, qui a apporté une nouvelle approche pour la compréhension et la résolution de l’image. En mettant l’accent sur la création de problèmes théoriques de l’art, qui a été la position la plus radicale que la précédente génération de la Seconde Guerre mondiale. Après 1948, sa peinture a été en partie affectée par l’esprit de réalisme dogmatique, qui, cependant, caractérisée par une certaine éternité statickosťou austère et métaphysique. Après avoir quitté le Canada en 1968, d’abord retournés à leur période de pointe de 1945 à 1948, qui a ensuite amené à expérimenter et de développer la production vers le surréalisme. Surrelizmu cette position à la fin de la gauche. Dans ses peintures et dessins axés sur l’emplacement de métaphores imaginatives exprimant l’harmonie, la beauté, la joie et la vie, dépeignant un monde qui surréaliste français José Pierre a appelé «le paradis.” Conservateur: Zsófia Kiss-Szeman Durée d’exposition: 25e Novembre 2011 au 22 Janvier 2012 pour étiqueter cette image: Ladislav Guderna: Fille, 1946, papier, acrylique, 32 x 25,5 cm / Galerie de la ville de Bratislava, Palais Mirbach II. sol /

Utamaro Kitagawa

Utamaro Kitagawa est un peintre japonais, spécialiste de l’Ukiyo-e. Il est particulièrement connu pour ses représentations de jolies femmes (bijin-ga), mais son œuvre comprend également de nombreuses scènes de nature et d’animaux.
Son travail parvint en Occident au xixe siècle où il rencontra un grand succès. Il a particulièrement influencé les impressionnistes par ses cadrages audacieux et le graphisme de ses estampes. Il était alors connu sous le nom d’« Outamaro », transposition selon l’orthographe française de la prononciation de son nom (orthographe reprise à l’époque dans certains autres pays occidentaux).
Il fut surnommé en 1891 par Edmond de Goncourt « le peintre des maisons vertes » (les maisons closes), même si un tiers seulement des très nombreuses estampes que l’on connait de lui furent en réalité consacrées au Yoshiwara.

Plantes d’Ornement.

Algérie Poste a émis le 29.12.2011 une série de 04 timbres de valeur faciale:15,00 – 20,00 – 30,00 et 38,00DA ayant pour thème des fleurs d’ornement que l’on trouve partout en Algérie .

Il s’agit :

a) du BOUGAINVILLÉE

b) des GLYCINES

c) du GALANT DE NUIT

d) du MIMOSA

a) Le BOUGAINVILLÉE :La bougainvillée est un arbuste grimpant,cultivé comme plante ornementale.Originaire d’Amérique du Sud,il s’adapte très bien au climat méditerranéen.Sa floraison apparait toute l’année avec un pic durant la saison sèche,alors que son feuillage vert foncé persistera tout au long de l’année.Sa taille est comprise entre 5 et 7 mètres.Sa plantation convient le long d’un grillage,d’un mur,d’une tournille, pergola ou claustra.

b) GLYCINE: C’est une plante grimpante originaire de Chine et cultivé pour ces longues grappes de fleurs mauves délicatement parfumée.Les glycines fleurissent au printemps et sont une véritable splendeur.Les fleurs s’épanouissent par étape à partir de la base de la grappe avant l’apparition du feuillage ce qui leur permet d’être encore plus spectaculaires.

Plante majestueuse,la glycine peut décorer l’encadrement d’un portail d’une porte,ou formera une très belle voute fleurie sur une allée.

c) GALANT DE NUIT(Mesk Ellil) : Le galant de nuit (Mesk Ellil) appelé aussi jasmin de nuit est un arbuste ligneux à feuilles persistantes pouvant atteindre 4 mètre de haut.Tout l’été et parfois même jusqu’à l’automne,le galant de nuit produit des grappes de fleurs allant du vert pale au blanc,répandant fortement leur parfum dés la tombée du jour et toute la nuit.

Cette plante est abondamment cultivée en Algérie ou elle est un symbole olfactif.

d) MIMOSA : C’est un arbre que l’on rencontre fréquemment en Méditerranée.Il possède un feuillage persistant allant du vert clair au bleuté.Le mimosa est remarquable surtout par sa croissance rapide (30 à 60cm par an) et peut atteindre jusqu’à 10métres de haut d’étalement.

Ses pourtours jaunes illustrent les hivers et sa floraison parfumée expliquerait le grand succès des mimosas aujourd’hui.Il est utilisé par les fleuristes pour servir à des délicates compositions florales de fin d’année.

Source:Algérie Poste.

Le 16.11.2011 la Poste d’Algérie a émis une série de 02 timbres de valeurs faciales 15,00 DA   et ayant pour théme les ovins d’Algérie.

N :15 Ovins d’Algérie

La race “Ouled-Djellal “ Le mouton « Ouled-Djellal » compose l’ethnie la plus importante des races ovines Algériennes, occupant la majeure partie du pays à l’exception de quelques régions dans le sud-ouest et le sud-est. C’est le véritable mouton de la steppe, le plus adapté au nomadisme. C’est un ovin entièrement blanc. La laine couvre tout le corps jusqu’aux genoux et aux jarrets, sa tête est blanche et ces cornes spiralées. Ces pattes longues et solides supportent la marche sur de longues distances . C’est une race résistante aux zones arides, elle utilise très bien les différents pâturages des hauts plateaux de la steppe et des parcours sahariens . La race Ouled-Djellal comprend trois variétés : - Variété Chellalia : C’est le type de mouton plus petit de taille et plus léger, il est élevée pour la production de la laine .  - Variété lourde (HODNIA) : Cet ovin de forme bien proportionnée, est plus recherché par les éleveurs à cause de son poids corporel .   - Variété Djellalia : Mouton longiligne, haut sur pattes, adapté au grand nomadisme. Il produit une laine blanche et fine . La race “Hamra “ C’est un animal à peau brune avec des muqueuses noires. La tête et les pattes sont bruns rouge foncé presque noir. La laine est blanche avec du jarre volant brun roux. Présence de cornes moyennes et spiralées. L’aire de répartition de cette race est située dans le sud-ouest, elle est rencontrée également au niveau du piémont de l’atlas saharien. On la considère comme la meilleure race à viande en Algérie en raison de la finesse de son ossature et de la rondeur de ses lignes. C’est une race très résistante au froid et aux vents glacés des steppes de l’Oranie . Trois variétés composent cette race : - Le type d’El-bayadh, Mecheria: à couleur acajou foncé . - Le type d’El-arricha: à couleur presque noire, c’est le type le plus performant, le type même de la race . - Le type de Malakou: du chott chergui, à couleur acajou clair . CARACTERISTIQUES N° 15 /2011 Dessinateur : Ali Kerbouche Valeur faciale : 15,00 DA chacun Format : 43 x 29 Dentelure : 14 Imprimeur : Imprimerie de la Banque d’Algérie. Procédé d’impression : Offset Document philatélique : Une enveloppe 1er jour à 7,00 DA affranchie à 15,00 DA avec oblitération 1er jour illustrée Vente 1er jour : les Mercredi 16 et Jeudi 17 Novembre 2011, dans les 48 Recettes Principales des postes situées aux chefs-lieux de wilaya et les Recettes Principales d’Alger 1er Novembre, Hussein dey, Chéraga, Ben-Aknoun et Rouiba. Vente générale : Le Samedi 19 Novembre 2011 dans tous les bureaux de poste.

Joyeuses fêtes de Noël pour nos ami (e)s

de Confession Chrétienne

&

meilleurs vœux de bonheur et de santé

pour la nouvelle Année 2012

Monuments de la Médina de Tunis.

Pour contribuer à mieux faire connaitre la richesse du produit touristique tunisien,la Poste Tunisienne a émis une série de timbres – poste dédiés au tourisme culturel qui constitue une des plus belles facettes du si riche produit touristique tunisien.Ces timbres – poste représentent des monuments de la médina de Tunis jalonnant un circuit touristique  à la mesure du riche patrimoine civilisationel dont regorge la Tunisie.Les monuments en question sont Dar Ben Abdellah,Dar Hsine,Bab Bhar,Bab Jedid,Bab El-Khadra et Bab Saadoune.

CARACTERISTIQUES :

Série :                                   Ordinaire

Valeur faciale :                    (250x 04) – 600 – 1000 millimes

Dimension :                         28 x 41 mm

Papier :                                 Blanc brillant

Procédé d’impression :     Offset

Imprimerie :                        Imprimerie de la Poste Tunisienne – Tunis

Tirage :                                 600.000 timbres-poste par valeur

Vente générale :                 02 Juillet 2010

Catalogue Michel # 1746/51

Dar BenAbdellah                                                                                                                

                          Un des palais les plus prestigieux de la médina de Tunis, Dar Abdellah, situé dans le quartier  sud de la médina et datant de la fin du 18e siécle, porte le nom d’un des anciens  maîtres des, un notable ayant vécu au 19^e siécle.La demeure se compose d’un corps de bâtiment principal et de plusieurs annexes. Elle se distingue par ses fresques ornementales aux motifs de style arabo-mauresque,ottoman et italien, et par l’exceptionnelle richesse de ses composants architecturaux et les matériaux précieux utilisés pour sa décoration. Dar Ben Abdallah est devenue en 1978,le Musée des traditions de la ville de Tunis.

Dar Hsine

                        Ce monument a été construit au 18^e siècle sur l’emplacement de l’ancien palais princier de la dynastie des Béni Khourasan.Il se trouve au faubourg de Bab Mnara, à proximité immédiate de la place qui porte son nom. Le ministre Youssef  Saheb Ettabaa avait  racheté  cette demeure qu’il avait fait agrandir et embellir en en faisant un joyau architectural dans la pure tradition tunisoise. Dar Hsine est devenu en 1858 le siège du premier Conseil Municipal de la ville de Tunis. Il porte le nom du Général Hsine, un des premiers Maires de la Capitale au 18^e siécle.Ce palais servit de quartier général du corps expéditionnaire français à partir de 1882.Il est devenu, depuis 1957 le siège de l’Institut National du Patrimoine.

Bab Bhar

                         C’est l’une des « portes » de la médina de Tunis. Construit à l’époque des Aghlabides sur la façade Est de la muraille entourant la médina, ce monument fut baptisé Bab Bhar (porte de la mer) parce qu’il faisait face à la mer et fut un point de passage entre la médina et le port sur la rive du lac de Tunis.

Bab Jédid

                        Sixième « porte » des murailles de la médina, Bab Jedid fut construit sous le règne du Sultan Yahia Al-Hafsi,en 1278.Il fut baptisé Bab Jédid parce qu’il fut construit sous le règne du bey husseinite Ali Bey à la suite des dégâts qu’il subit au 18^e siècles lors de la révolte conduite par Ali Pacha .Bab  Jédid donne sur l’avenue qui porte le boulevard du même nom. Il est aussi connu sous l’appellation de Bab El-Haddada (littéralement porte des forgerons du nom du souk de cette corporation).

Bab El-Khadra

                          Délimitant la partie nord de la médina. Il fut construit en 1320 en forme d’arc dépouillé, puis démoli et reconstruit en 1881 dans le but de faciliter les transactions commerciales, Bab El-Khadra porte une des appellations emblématiques de la ville de Tunis,  « Tounes El-Khadra », littéralement  «  Tunis la verte »,par référence aux vergers verdoyants qui l’entouraient.

Bab Saadoun

                         Cette « porte » fut construite en 1434 sous le règne du sultan hafside Mohammed       El-Montasser, non loin de Bab Souka.Ce nom lui a été attribué en hommage au marabout « Sid Abi Saadoun ».Bab Saadoun donnait sur les routes menant à Béja, Bizerte et Le Kef. Il comportait à l’origine un seul arc, avant que deux autres arcs lui soient accolés en 1881 afin de faciliter la circulation.